2011 - Edificio de Usos Mixtos

2010 - Edificio de Usos Mixtos

Ábalos & Herreros - La Piel Frágil

Cuando se llama a alguien para hablar de su trabajo hay una pregunta constante y a la que en última instancia quien habla debiera dar algún tipo de respuesta. Esa pregunta es, expresada de la forma más simple, ¿hacia dónde vamos?, ¿cómo podemos interpretar lo que nos está pasando? Sabemos que pretender una respuesta totalizadora es estúpido. pero también lo es eludir esa pregunta, esa duda común; así que haremos el esfuerzo retórico de intentar una respuesta parcial y personal y emplearemos para ello, después de muchos intentos sofisticados, el más simple de los esquemas: una parte inicial teórica que pretenderá dar un marco conceptual, y una exposición posterior del trabajo práctico que tendrá como objetivo mostrar hasta qué punto ideas más o menos abstractas tienen una traducción simple, o menos sofisticada, así como mostrar la forma en que actividad práctica y especulación teórica se alimentan mutuamente, sin que los tiempos de uno y otro momento puedan ni deban separarse. (ver texto completo)

Dominique Perrault - Una Biblioteca bien Francesa

Aprovechamos algunas de las citas hechas en clase para mostrarles el ejemplo de la Biblioteca Nacional de Francia.
Quizás otro arquitecto hubiesa podido abstraerse del peso de la tradición espacial francesa, del espacio barroco, los ejes y el carácter monumental. Pero seguramente no hubiese sido el caso de un arquitecto francés.
Efectivamente el proyecto de Dominique Perrault se consagró vencedor entre cientos de propuestas para este concurso, uno de los pilares de los Grands Travaux de la era Mitterrand.

Richard Rogers vs. Prince Charles (round 3 y van...)

No fue suficiente con torcer la opinión del jurado en el concurso para la ampliación de la National Gallery a favor de Robert Venturi hace más de 15 años. Tampoco le alcanzó con criticar las propuestas del ganador del Pritzker 2007 para la reconversión del South Bank.

El proyecto para las Chelsea Barracks agrega un nuevo capítulo de esta historia.

Para quienes pensábamos que sólo por casa pasaban estas cosas, atentos a este artículo aparecido en The Guardian.

"Cállate o dimite", le espeta hoy en un editorial el diario The Guardian al príncipe Carlos de Inglaterra, al que acusa de abusar de sus prerrogativas para torpedear un moderno proyecto arquitecónico de Richard Rogers. El periódico afirma en su editorial -Prince Charles: Shut up or step down- que Carlos tiene línea directa con el emir de Qatar, que financia el polémico proyecto en uno de los barrios más elegantes de la capital británica, y acusa al heredero del trono de intentar frustrar ese plan para sustituirlo por otro, mucho más conservador, de uno de sus arquitectos favoritos. (ver artículo completo)

Renzo Piano - NYT

Dentro del mismo viaje también hubo un tiempo para lo que podríamos llamar a esta altura, un clásico de clásicos: el edificio para el New York Times de Renzo Piano o "The Grey Lady" para los neoyorquinos.

Atinado, prudente, exacto. Varios son los calificativos que podemos otorrgarle a este edificio. Sin embargo, en el lugar el edificio mostró un lado más fascinante. Se revela como una pieza urbana tan ajustada, que es difícil no pensar que siempre estuvo ahí. La articulación perfecta entre la torre y el cuerpo bajo, la piel que como pocas logra conciliar la escala urbana y la de aproximación y para el final el espléndido espacio interior que culmina en un jardín que invita a acercarse desde la calle. Creo que las imágenes alcanzan a captarlo.

Luego de ver la arquitectura de Morphosis, con una búsqueda tan profunda en lo subjetivo podemos reflexionar que Thom Mayne casi lo ha logrado. Se convertido desde California (Gehry a su lado) en el más europeo de los arquitectos americanos, con un fuerte sello de autor en toda su obra.

Paradójicamente Renzo Piano quizás sea hoy, con su arquitectura precisa y pragmática, el más americano de los arquitectos europeos.

Like an italian man in New York.

Columbus Circle - Time Warner Center

Dado el ejercicio que tenemos entre manos, resulta interesante analizar un caso que da respuesta a una problemática similar en la ciudad de Nueva York.

Al suroeste del Central Park, surge Columbus Circle. Dentro de la trama ortogonal que caracteriza a este sector de Manhattan, en el cruce que comprende la intersección de Broadway con 59th St., Central Park West y 8Th Avenue, encontramos esta plaza de forma circular que viene a resolver el encuentro de tan diversas geometrías, asegurando a su vez un dinámico flujo vehicular.

La estatua de Cristóbal Colón ubicada en el centro de la misma, en homenaje a quien siglos atrás descubriera el "Nuevo Mundo", pone nombre a esta plaza.

Es desde este punto además, donde se miden las distancias que parten desde y hasta Nueva York.

Columbus Circle, experimentó en 2005 una completa remodelación, que con la instalación de fuentes y jardines en la rotonda central y la construcción del Time Warner Center, sirvió para revitalizar a este punto de la ciudad y le dio la apariencia que tiene en la actualidad.

Diseñado por David Childs y construido por la firma SOM (Skidmore, Owings and Merrill), el Time Warner Center, es un edificio de usos mixtos que incluye oficinas, apartamentos, centro comercial, restaurantes, una sala de conciertos y los estudios en Manhattan del canal de noticias CNN.

Sus dos torres de 229 metros de altura, siguen el ángulo de la calle Broadway, mientras que el espacio entre las mismas lo hace respecto de la calle 59 que bordea el Central Park de este a oeste. El basamento comercial que une ambas torres, por su parte adopta la geometría del Columbus Circle.

La superficie total del complejo alcanza los 260.000 m2 y es hasta el momento la edificación de mayor coste económico de la ciudad.

Se trata de una edificación además, que ha calado rápidamente en el paisaje neoyorkino, hasta el punto de recordar las desaparecidas Twin Towers. Nuevamente, estamos ante una arquitectura como símbolo. Un caso de intervención que revitaliza y da respuesta a una de las problemáticas que plantea la ciudad.

El Plan de Ildefons Cerdá para Barcelona

Barcelona, durante el siglo XIX, sufrió una gran migración debido a la gran industrialización que vivió esta ciudad, con lo que la ciudad amurallada empezó a quedarse pequeña provocando la demolición de las murallas en los años 50. Con el motivo de ampliar la ciudad, en abril de 1859, el ayuntamiento de Barcelona convocó un concurso de planos para decidir como sería el ensanche de dicha ciudad. El concurso lo ganó el proyecto del arquitecto Rovira i Trias, pero, en el mes de junio de 1859, un decreto real llegado desde el gobierno de Madrid, sin contar para nada con la opinión del ayuntamiento catalán, aprobaba el proyecto de ensanche de Ildefons Cerdá, cosa que provoca la esperada protesta de la población catalana, que, aun siendo muy grande, no sirvió para nada, ya que el Plan Cerdá fue aprobado definitivamente el día 31 de mayo de 1860. Tres años más tarde, en 1863, fue retocado ligeramente por el propio Cerdá con el motivo de aumentar la superficie edificable.

Aunque la mayoría del pueblo catalán estaba en contra de la asignación del plan de Ildefons Cerdá por haber sido impuesto desde el gobierno de Madrid, ahora se reconoce que el plan Cerdá era mejor que el de Trias i Rovira y que cualquiera de los que se presentaron al concurso de planes.

El plan Cerdá consistía en una serie de manzanas de forma cuadrada de 113,3m de lado separadas por calles de 20m (ocasionalmente hay algunas de 30 y de 60m). Se pensó en la construcción de ocho grandes parques públicos repartidos por todo el ensanche, además del bosque que había cerca del río Besos. Dos grandes calles (Diagonal y Meridiana) atraviesan diagonalmente, en forma de X, el ensanche. El casco antiguo de la ciudad no sufría prácticamente ninguna modificación, únicamente se construyeron tres calles importantes, dos de ellas atravesaban el casco antiguo verticalmente en dirección al mar, y la otra calle cruzaba a las dos anteriores horizontalmente.

Originalmente, las esquinas de las manzanas tenían forma redondeada, dando lugar a una plaza en cada cruce, lo que Cerdá justificaba, adelantándose a su tiempo, diciendo que facilitaría la circulación de las “máquinas de vapor” que algún día transitarían por esas calles; cada manzana tenía una plaza en su interior. A la larga estas plazas acabaron desapareciendo, se cerraron las esquinas, se suprimieron los patios interiores y se aumentó la altura de los edificios, que originalmente eran de cuatros pisos.

La construcción del ensanche sirvió, también, para absorber a pueblos cercanos (suburbios que se formaron fuera de las murallas de Barcelona), como Sants y Gracia.

Anamorfosis - de Hans Holbein a Julian Beever

La Anamorfosis (o anamorfismo) es una técnica ingeniosa de perspectiva usada para dar una imagen distorsionada del sujeto representado en una pintura cuando se ve desde el punto de vista usual, pero de tal manera distorsionada que si se ve desde un ángulo especial o si se refleja en un espejo curvo, la distorsión desaparece y la imagen en la pintura resulta normal. Derivado del término griego que significa trasformar, el término anamorfosis se utilizó por vez primera en el siglo XVII, aunque esta técnica había sido una de las más curiosas consecuencias del descubrimiento de la perspectiva en los siglos XIV y XV. Los primeros ejemplos se encuentran en las notas de Leonardo da Vinci. Se consideraba un despliegue de virtuosismo técnico, y se incluía en la mayor parte de los manuales de dibujo de los siglos XVI y XVII. Dos ejemplos célebres son un retrato del rey Eduardo VI (1546, Galeria Nacional de Retratos, Londres), atribuido a Cornelius Anthonisz, y una calavera al pie de los personajes en el cuadro siguiente, Los embajadores de Hans Holbein el Joven (1533, Galeria Nacional, Londres).

Julian Beever es un artista británico que se dedica a dibujar con tiza. Ha creado dibujos de tiza en 3D en el pavimento utilizando este método. Sus dibujos en las calles desafían las leyes de la perspectiva.

Aparte del arte en tres dimensiones, Beever pinta murales y réplicas del trabajo de grandes maestros del arte. Usualmente lo contratan para crear murales para compañías. Asimismo se dedica a la publicidad y el marketing. Ha trabajado en el Reino Unido, Bélgica, Francia, Holanda, Alemania, los Estados Unidos, Australia y España.

High Line - Nothing is Impossible

Ya invitamos a ver la obra de Diller Scofidio + Renfro y algunas de sus obras -la High line entre ellas- fueron comentadas en clase.

A veces es difícil imaginar cómo un proyecto se puede convertir en realidad. Y si además tiene una fuerte carga imaginativa, verificar que funcione.

Para lo primero, bastan unas cuantas imágenes de publicaciones, pero para lo segundo nada mejor que la experiencia directa o en su defecto, algunas fotos que intenten captar el espíritu del lugar, el oficinista en su hora de almuerzo, la madre que pasea su bebé o el grupo de amigas de paseo.

Alejadas un poco de la fotografía arquitectónica -que escasas veces capta ese espíritu- les subimos una secuencia de imágenes de recorrido del proyecto. A veces lo imposible, puede suceder.

Diller Scofidio + Renfro - I Love New York

Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio comenzaron a trabajar juntos en 1979, un periodo de crisis económica que repercutió en dificultades para que los arquitectos pudieran construir y que a ellos les permitió concentrar su trabajo en diseñar performances e instalaciones que interactuaban con edificios, transformándolos y dotándolos, a través del despliegue de imágenes, objetos y signos, de significados alternativos.

Esto les ha conducido a concebir su actividad, su identidad intelectual y creativa, desde la complejidad que conlleva fusionar el ser arquitecto y el ser artista, aunando dos esferas que a menudo los arquitectos asumen que no es posible equilibrar en una misma dimensión. Artistas / arquitectos la trayectoria desarrollada por Diller y Scofidio -asociados a Charles Renfro desde 2004- abarca edificios, planificación urbana, arte público, obras artísticas, teatro y danza experimental, libros y proyectos en internet.



La obra de Diller Scofidio + Renfro surge de una investigación teórica no dogmática, abierta desde una perspectiva poética y radical a las nuevas tecnologías como signo y elemento creador de modos de percepción e interpretación. La experimentación aferrada a los planteamientos de lo artístico ha llevado a este equipo a desarrollar una forma de pensamiento liberado de las convenciones que rigen la idea de lo que constituye lo arquitectónico. Tratar de descubrir, desvelar, las posibilidades de que la arquitectura genere experiencias que trasciendan los estados de vivencia conocidos.

Rem Koolhaas y la Estética Stealth

La inauguración de la biblioteca de Seattle es desde luego un hito en la trayectoria de Koolhaas, que hasta ahora había tenido poca fortuna en sus proyectos americanos. Pero en 1999, Rem Koolhaas proyectó dos extraordinarias obras de violenta geometría facetada – la Biblioteca Central de Seattle y la Casa da Música de Oporto – que se culminan casi simultáneamente, a los pocos meses de inaugurar la singular embajada de los Países Bajos en Berlín, y estos tres edificios devuelven al arquitecto holandés a un olimpo unánime de reconocimiento.

En Seattle – una ciudad que muchos asocian sólo al futurismo tecnológico de la Boeing y Microsoft, pero que ha incubado también revoluciones comerciales como las de Amazon y Starbucks – Koolhaas ha construido la pieza central de un ambicioso programa de renovación bibliotecaria al que se asignó en 1998 una financiación pública de 196 millones de dólares, 165 de los cuales se han invertido en este proyecto. Elegido inesperadamente frente al nativo de la ciudad Steven Holl tras una visita fugaz de los patronos de la biblioteca a sus obras europeas, el holandés ha desarrollado el trabajo con el apoyo de una ingeniería local y bajo la responsabilidad de un miembro de su oficina originario de Seattle, Joshua Ramus. Los 35.000 metros cuadrados de la biblioteca (que se complementan con otros 7.000 de aparcamiento subterráneo) se organizan en cinco “plataformas” superpuestas y desplazadas que dejan entre sí zonas destinadas a niños, acceso, consulta y lectura, cerrándose el conjunto con una fachada de vidrio y acero que se pliega con levedad papirofléxica para adaptarse al apilamiento sólo aparentemente arbitrario de las plataformas, la mayor de las cuales alberga un depósito de libros de libre acceso dispuestos sobre dos grandes rampas de hormigón que dan continuidad funcional y espacial a sus cuatro niveles, como el arquitecto ya había intentado hacer en su proyecto de 1993 para dos bibliotecas en Jussieu.

Aquí, la riqueza visual de los interiores, punteados por perspectivas vertiginosas, desplomes luminosos y fugas diagonales – que acentúan los exactos acabados, los fogonazos rojos y amarillos de escaleras y corredores, y las moquetas vegetales de Petra Blaisse – es comparable a la contundencia icónica del exterior, cuya cristalografía equívoca y reflectante de invernadero vertical y azaroso superpone la cambiante variedad de los puntos de vista en una sola imagen memorable.

Acaso sea cierto que esta descomposición geométrica tenga el aire fragmentado del cubismo analítico, y es posible que los paisajes de Horta de Ebro estuviesen en la retina del crítico que lo comparaba con Picasso; por su parte, los más escépticos verán únicamente un volumen escultórico de abstracción aristada que remite al art déco más ornamental, a la trivialidad fatigosa del llamado cubismo checo o a la decoración espejeante de los casinos y discotecas de los años cincuenta; sin embargo, el proyecto se inspira también en el expresionismo luminoso de la arquitectura alpina de Bruno Taut y la Bauhaus primera, reconcilia a Venturi con Eisenman al combinar una malla indiferente de rombos estructurales que casi parecen textiles con un facetado que evoca el de la Max Reinhardt House, y hace converger las lecciones plásticas de la tienda para Prada en Tokio de Herzog & de Meuron con lo que el propio Koolhaas ha denominado “estética Stealth”, por el famoso caza invisible F-117, cuyas formas insólitamente plegadas fascinaron en los años noventa a unos arquitectos que vieron en ellas una manifestación simultánea de la deconstrucción artística y del pli filosófico: Derrida y Deleuze reunidos en un arma fatal y letal, un objeto bélico seductor y ominoso para abreviar taquigráficamente la French theory.

Esa misma estética de geometrías plegadas emplea otro edificio diseñado por las mismas fechas, la Casa da Música de Oporto, un gran auditorio promovido con ocasión de la capitalidad europea de la cultura que ostentó en 2001 la ciudad portuguesa, y que – además del tránsito del vidrio al hormigón – se diferencia de la biblioteca norteamericana en que los elementos del programa están excavados en su volumen, en lugar de resultar éste de la envoltura de un conjunto de elementos superpuestos. Al final, es probable que lo más valioso del proyecto de Seattle no sea tanto la brillante propuesta estilística como la inteligente orquestación de los usos en plataformas bien definidas que impiden la colonización de las zonas comunes por la gangrena del almacenaje, tan habitual en edificios retóricamente indistintos o flexibles, y la creación de esas terrazas colgadas como alfombras volantes que hacen de su utilización o su visita una experiencia emocionante. Koolhaas ha escrito que sus planos angulosos quieren jalonar, junto a las ondas agitadas y eléctricas del Experience Music Project de Frank Gehry , “la nueva modernidad de Seattle.”

Luis Fernandez-Galiano - Rem Koolhaas y la Estética Stealth

El F-117A y la Tecnología Stealth

El F-117 es un avión de caza furtivo -de ahí su nombre en inglés- que tiene la particularidad de haber sido diseñado no sólo por las dos reglas básicas del diseño de aviones, esto es menor peso y menor resistencia al aire, sino por una tercera: su invisibilidad a los radares.

Pero para entender este concepto, comencemos describiendo el funcionamiento de un radar el cual es un acrónimo de (Radio Detection And Ranging), este funciona emitiendo ondas de radio en determinados rangos de frecuencia. Las ondas de radio se transmiten por el aire a una gran velocidad constante y al chocar con un objeto sólido, regresa como un eco. Midiendo la intensidad de ese eco y el tiempo que tardó en regresar la onda, se puede determinar el tamaño del objeto y su distancia; el seguimiento continuo permite también detectar su rumbo.

Puesto que esto evitaba los ataques sorpresa y hacia que los aviones fueran fácilmente detectados, la fuerza aérea americana pide a las compañías Lockheed Martin y Northrop que construyeran aviones anti-radar, así nacen el F-117A por Lockheed y el B-2 por Northrop.

Estos aviones están fabricados con superficies planas y puntas muy puntiagudas, lo que hace que cuando una señal de radar golpea al avión, esta es regresada en otra dirección muy diferente a la del radar, para que este no lo detecte. También la superficie de este avión esta hecha de materiales que absorben las señales de radar (Radar Absorption Material “RAM”), de esta manera el avión o bien es invisible al radar o en su defecto la señal que emite es la de un pequeño pájaro en vez de la de un avión, así puede confundir al radar enemigo.

"Paris, We Have a Problem!"

Si las fantasías de los Archigram describían el esprit du temps el día que Neil Armstrong pisó la Luna por primera vez en 1969, alguien decidió que era hora de poner un pie en la tierra un par de años después.

El aún presidente George Pompidou decide en 1971, llevar a cabo el concurso para la construcción de un centro cultural y museo de arte contemporáneo y de esa manera resolver el problema de cómo revitalizar una degradada área de Paris llamada el Plateau Beaubourg, plagada de viviendas hacinadas y famosa por su mala reputación.

La propuesta de Renzo Piano, Richard Rogers y Gianfranco Franchini resulta elegida entre las mas de 700 presentaciones.

Es bueno rescatar algunos dibujos originales para entender de lleno en que medida el proyecto entra en sintonía con el pensamiento utópico: circulaciones encapsuladas en acrílico, imagenes del pop-art, tuberías por donde circulan fluidos a la vista. Todo esto montado sobre una especie de framing estructural neutro. Cual es el contenido de todo esto? La nada misma. Una gigantesca estructura de 48 mts. de luz dispuesta a absorber cualquier tipo de programa. El paradigma de la flexibilidad llevado a sus ultimas consecuencias.

Seis años después el edificio está construído y hasta el día de hoy sigue ostentando el honor de ser el centro de arte más visitado de Francia, por delante del Louvre. Como si se tratara de una obra de arte en sí misma, millones de personas visitan por año esa "baladronada de juventud inocente y tosca " según las propias palabras de uno de sus autores, Renzo Piano.

Archigram y el Brit Pop

Entre 1961 y 1974 el grupo Archigram, constituido por Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene deslumbró al panorama arquitectónico mundial con sus proyectos.

Formados en la Architectural Association de Londres e influídos por la estética del pop y la tecnología espacial, las propuestas del grupo abarcaron todo el universo de fantasías postindustriales, que encerradas en su propia ironía, y su agresiva propaganda quizás no permitieron ver lo que se escondía por detrás.

Archigram, reclamaba a su manera, una respuesta a la sociedad europea que aun no había incorporado la explosión del consumo de masas a su repertorio. Ni siquiera había podido resolver el tema de la vivienda social.

Mientras tanto, la tecnología mecánica iba dejando paso a la tecnología electrónica. El mundo quedaba fascinado con las cápsulas espaciales y los primeros circuitos de ordenadores.

Cuanto tiempo pasaría hasta que alguien propusiera una ciudad que con sus patas de insecto, se desplazara de lugar en lugar según el deseo de sus habitantes (Walking City) u otra ciudad que funcionara con una estructura de servicios fija, en donde se enchufaran o desenchufaran según la necesidad del caso, módulos de oficinas viviendas o negocios (Plug-In City)?.

Los Archigram lo hicieron.

Norman Foster - El Camino al Pepino

Cuando Buckminster Fuller transitaba los últimos años de su larga carrera, Norman Foster recién la comenzaba. Fue durante un breve lapso allá por principios de los '70 que surgió una estrecha colaboración entre el viejo maestro y el aprendiz.

Interesado en la aproximación al problema de la eficiencia energética y el "espacio perfecto" del máximo volumen con la mínima envolvente, el arquitecto británico compartió su experiencia en mas de una oportunidad con el americano. Un pequeño teatro en Oxford, un Pabellón para una Exposición Energética y hasta una vivienda para el propio Bucky fueron algunos de los proyectos que cruzaron el Atlántico.

Fue sin embargo la búsqueda de un entorno de trabajo ideal la que arrojo el resultado más interesante: el Climatroffice (1971), una oficina "viviente" con un microclima propio, donde la diferencia entre interior y exterior quedaba disuelta.

Inspirado en las estructuras geodésicas, el proyecto significo sólo una búsqueda experimental, pero signó el trabajo de Foster hasta nuestros días.

Fue el camino que luego continuó con las plantas abiertas de la Willis, Faber & Dumas, los jardines interiores del Commerzbank, la cupula del Reichstag y quizas la culminacion de todo ese periplo en el edificio para la Swiss RE en Londres en 2006.

Es en este edificio donde una estructura mallada trapezoidal contiene los espacios de trabajo que se alternan en forma espiralada con terrazas verdes, generando corrientes de aire helicoidales que climatizan el edificio y reducen su consumo energético a estándares mínimos.

Casi como 35 años atrás, pero esta vez, hecho realidad.

El Mundo según Bucky

Todos sabemos que una estructura para ser eficiente debe soportar ademas de la sobrecarga a la que esta sometida, su propio peso. A medida que la pieza estructural crece en tamaño, probablemente su dimensionamiento se aleje del concepto de sobrecarga y empiece a girar en torno al peso propio. La resistencia del material es ahora el límite.

Pero que pasaría si encontrásemos una estructura tan liviana y estable, que permitiera un crecimiento casi ilimitado sin comprometer la resistencia del material?

Algo de eso pensó allá por 1954 Richard Buckminster Fuller cuando después de trabajar más de veinte años sobre las estructuras geodésicas, propuso su "Manhattan Dome". Si cubría además, esa estructura con algún material liviano (como una membrana) y lograba encapsular el aire en su interior, la sola diferencia de temperatura entre el interior y el exterior, haría que esa estructura literalmente "flotara".

Fuller había detectado desde sus más tempranas propuestas, la finitud de los recursos del planeta, y la necesidad urgente de hacer eficiente todos los procesos involucrados en el desarrollo del hombre.El aprovechamiento de los deshechos de la industria y la reducción del coste energético de funcionamiento signaron cada uno de sus proyectos.

Quizás el mas conocido de ellos, haya sido la Dymaxion House, una vivienda que costaba lo mismo que un automóvil, con muy bajo mantenimiento, máximo aprovechamiento de los sistemas de iluminación y ventilación naturales y gran flexibilidad de uso.

El padre de una Arquitectura Sustentable.

Mundo eVolo - Transmisión de Ideas

En clase debatimos más de una vez las nuevas maneras de proyectar y entender la arquitectura en base a los desarrollos técnicos en lo que hace a representación.

Acompañando el avance de los proyectos nos parece oportuno darnos un tiempo para analizar y desarrollar cual es la maneraadecuada en que nosotros representamos y comunicamos nuestras ideas.

En este caso vemos una publicación digital con trabajos de un alto nivel experimental en donde no hacemos foco en el contenido de los mismos, si no en la claridad conceptual y grafica con la que se trabaja. Un alto nivel de representación y coherencia para transmitir una idea, donde la elección y desarrollo de la documentación y en como mostrarla es casi tan importante como el proyecto mismo.

Para todos lo que aún no lo conozcan, bienvenidos al mundo eVolo

Un Paseo por la Gran Manzana (II) - 23 East 22nd Street

Otra vez Rem. Otra vez el engaño. De vuelta en su Delirante Nueva York, el arquitecto holandés vuelve a acometer con otro de sus actos de magia. Si pasáramos por el Flatiron District, digamos en un par de años (y si la crisis lo permite), nos encontraríamos con esta nueva pieza urbana. Y porqué nos sentiríamos engañados? Porque detrás de la delirante idea de la torre como excrecencia, de la idea de inversión de la piramidación neoyorquina (derivada del código de 1890) y de la tectonicidad subversiva, se esconde un prolijo esquema estructural, comprimiendo la altura de la entreplanta y la densidad de la caja estructural del aventanamiento en la parte de mayor solicitación (medio) y descomprimiendo el esquema hacia arriba. Tan lógico como si de Norman Foster se tratara. Ok Rem, hemos caído de nuevo.

La primera torre que OMA diseña para Nueva York es un tributo a lo que su titular, Rem Koolhaas, llama "la cultura neoyorkina de la congestión".El nuevo proyecto de este famoso arquitecto holandés, socio principal de un estudio que sigue teniendo su base en Rotterdam, Holanda, pero trabaja en todo el mundo, es un juego de piezas encaramadas de manera atectónic. De hecho, es difícil descifrar cómo se mantiene en equilibrio. Como dice Koolhaas, el proyecto "23 East 22nd Street" celebra esa congestión urbana característica de Manhattan; pero, por otro lado, la desafía.
El edificio aborda una dimensión provocativa que se suma, con una altura mediana, al ramillete de gigantes rascacielos del barrio y busca la luz como un árbol lo hace en la selva, pugnando por sobrevivir. (ver nota completa)

Un Paseo por la Gran Manzana (I) - The Flatiron Building

Mencionamos el Flatiron Building en clase, y muchos de Uds. conocían poco sobre este emblema de New York. Durante el transcurso de la carrera, tuve la oportunidad de compartir algún que otro grupo con Freddy Massad, devenido con los años en prestigioso redactor de la revista Summa+ y de los más importantes periódicos españoles. Permitanme compartir con Uds., este delicioso artículo de su autoría para aprender un poco más sobre este edificio.

En el encuentro de la Calle 23, la Quinta Avenida y Broadway, se halla uno de los iconos neoyorquinos: un rascacielos de ochenta y siete metros de altura, el Edificio Fuller, más conocido como Flatiron. Un edificio clasicista en su articulación externa, respetuoso con la escala de las calles adyacentes y que se eleva libre, destacando su propia singularidad. Una singularidad basada en su distintiva planta triangular, que se aprecia especialmente bien desde la adyacente Madison Square, como si fuera una especie de artefacto para planchar o proa de navío, y que es la que dio pie a su bautizo con ese alias que ha perdurado y ha dado nombre al área del distrito de Manhattan donde se alza.

Su autor Daniel Hudson Burnham, un arquitecto e ingeniero, fue también autor de obras como la Estación Ferroviaria Union en Washington y algunos de los más importantes rascacielos construidos entre la década de los ochenta y noventa del siglo XIX y los primeros años del siglo XX en Chicago, estructuras que realizó en asociación con John Wellborn Root y que destacaban por el refinamiento y cualidad escultórica con que los arquitectos habían sido capaces de dotarles, tales como como los edificios Monadnock, Rookery y Reliance.

Aquellos primeros rascacielos fueron una de las expresiones arquitectónicas con las que se consolidaba la civilización industrial. El rascacielos es uno más de los artefactos de progreso nacidos del desarrollo tecnológico moderno. Nacieron en Chicago por la conveniencia de concentrar el funcionamiento de la ciudad en el centro. El acero como material constructivo y la invención del ascensor por Elisha Otis en 1853 permitieron cristalizar esta nueva concepción arquitectónica que permitía el planteamiento de una innovadora solución para la planificación urbana para la metrópolis estadounidense en aquellos tiempos.

Productos de una actitud arquitectónica que procuraba hacer una ciudad que se embelleciera a través de los edificios, que a la vez representaba una armonía que los hacía ser uno de los símbolos utópicos de la era industrial, los rascacielos retenían desde su concepción todos los argumentos clásicos, reflejando el profundo conocimiento de la Historia de sus autores, que compartían la misma búsqueda de la armonía arquitectónica indagando dentro la dimensión orgánica de la naturaleza que inspiró las arquitecturas magníficas de la Antigüedad.

El orgullo de aquellos rascacielos levantados con la energía del espíritu de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX radicaba en su verticalidad, una verticalidad que se fundaba en la redefinición del esquema de basamento, fuste y capitel de la columna clásica: «Debe ser alto, hasta la última pulgada debe ser alto. La fuerza y el poder de la altura deben existir en él...una unidad sin una sola línea disidente», escribió Louis Sullivan, otro de los artífices de aquellas estructuras que se alzaban al cielo. La Escuela de Chicago, de la que Burnham fue uno de sus protagonistas, fue la que interpretó simbólicamente la altura del rascacielos como expresión metafórica del poderío de su tiempo y como su fundamento esencial de belleza.

Símbolo

A un siglo de su construcción, el Flatiron sigue siendo una pieza urbana maestra, pensada y construida con precisión para ese exacto enclave en que se halla, que continúa deslumbrando, exudando ese carácter de hito tecnológico que representó en su tiempo, símbolo del poder transformador de la revolución industrial, de la afirmación de la moderna identidad norteamericana desprendiéndose del lastre de la herencia del viejo espíritu europeo y fascinando al Viejo Continente con su audacia. Admirando aún su impecabilidad técnica, la intensidad de la emoción que el Flatiron aún hoy -cuando otras torres han superado su tamaño-, tal vez no sea muy distinta del impresionado asombro que podía causar a los transeúntes de 1909, y que radica en ese modo en que sigue expresando el orgulloso poder y fuerza de su esbelta altura.

El edificio Flatiron, que da nombre a un distrito de Manhattan.

Ábalos & Herreros - Casas AH

Las Casas AH son, frente a la casa tradicional, lo que el Swatch frente al reloj de péndulo: no sólo, o no tanto, un cambio tecnológico, sini la constatación de un cambio de hábitos, de la forma de relacionarse con las cosas. Un producto de la cultura material contemporánea. Se basa en la modificación del concepto de durabilidad asociado al de economía en la producción industrial: la introducción de un producto investido de seriedad cultural en la lógica del consumo. Pero no se trata de enmanscarar "mala tecnología" ni de aumentar la obsolescencia.

En realidad, es tanto o más tecnológico que muchos productos sesudos y de imágen "científica" y su durabilidad es al menos igual a la de los mejores edificios actuales, pues está construído con los mismos componentes y sistemas. Se trata de ofrecer un producto que en sus intereses, carácter y cualidades se adapte mejor; es decir, se identifique con la menor estabilidad, con la mayor fugacidad de la vida del hombre y de las cosas que lo rodean; con una nueva concepción del tiempo asociada al hogar y al sujeto contemporáneos.

Ábalos & Herreros, Zonas de Impunidad.

Steve Jobs at Stanford

Lo prometido.

Surgió en clase hablando de tipografía y algunos de Uds. pueden pensar de qué corno está hablando este tipo.

Guarden 15 minutos para escucharlo.

Steve Jobs, en estado puro. Mientras el iPad se convierte en un fenómeno sociológico es bueno recordar que con la sola inspiración no se llega, si además, no acompaña el esfuerzo.

Van a encontrar conceptos que tienen que ver con el Ejercicio de Arquitectura y que son más importantes que el tema de la tipografía.

Y también van a encontrar conceptos que son más importantes que el Ejercicio de Arquitectura.

Que lo aprovechen!

Morphosis - The Cooper Union

Entramos de lleno en el tema de las pieles, y hoy aprovechamos la publicación de la Cooper Union en la última Summa+, para deconstruir y desmembrar (sí, aún más!) la delicada envolvente que recubre al edificio.

Del viaje a New York de principio de año, pude rescatar esta serie de tomas que la recorren en su totalidad y la definen en su totalidad, de lo general al detalle.

Mención aparte para el desarrollo estructural, que se dibuja como una intrincada trama que utiliza para relacionarse con la calle. En conjunto, piel y estructura conforman una membrana que a veces traslúcida y a veces transparente, diluye la relación entre interior y exterior.

Sin embargo, los invito a que rastreen las plantas. Pronto comprenderemos que hemos caído en la trampa. Detrás de ese espacio amorfo, se esconde la severidad y pertinencia de las plantas más duras. Y todo en su justa medida, como si hubiera un acuerdo entre ambas partes. Entre el espacio simbólico y el estrictamente funcional.

Espero que les sirva!

La Porosidad Recortada de Steven Holl

Steven Holl Architects’ latest Chinese project, Sliced Porosity Block, is a showcase of his explorations of carved porous urbanism. The early watercolor diagrams make it clear that the project seeks to subvert the typical modernist rules of tower and base. A strong dynamic thrives and feeds on the interactions of mass, void, and the resultant parallax of their shifting alignments. The new project takes the ideas of porosity developed in the MIT dorm and Linked Hybrid projects to a higher level of refinement and formal exuberance. The sensitivity to color, pattern, environmental considerations, and metaphorical thinking are all marked departures from the earlier work.

The massing and resultant slices were driven by local codes in Chengdu limiting the amount of daylight that a new project can block from the existing fabric. The outer and inner facades of the project are cloaked in a postmodern, graffiti like gridded wrapper. Angled glass planes slice through these outer shells in a direct response to the sunlight restrictions. The end product is an undulating mass that hovers between urban form and natural landscape. The project captures the carving light, freezing it and thus locking impermanence into a permanent condition. This interaction of light and form should reminds us of the ever changing qualities of light we often take for granted, in a similar fashion as do the early cathedral studies by Monet. (ver artículo completo)

MVRDV - WOZOCO Housing

Encargado por la Het Oosten Housing Association, Wozoco -construido entre 1994 y 1997- es un edificio de 100 viviendas para la población mayor de 55 años. Ookmeerweg street en Ámsterdam-Osdorp es el barrio donde se ubica: una ciudad jardín al oeste de Ámsterdam construida entre 1950 y 1960, amenazada hoy por el crecimiento de la densidad constructora en las zonas verdes y los espacios comunes al aire libre.

El desafío consistía en realizar un edificio capaz de contrastar la monotonía de cierta construcción realizada en aquellos años en las periferias de las grandes metrópolis, de concebir una arquitectura que apuntara al respeto por la calidad urbana y a su crecimiento.

El perfil extravagante de Wozoco nace en realidad de una de las primeras dificultades encontradas durante el proyecto: el plan regulador de Cornelis Van Eesteren limitaba el número de los pisos por bloque a 87 unidades para que estuviera asegurada a cada una de ellas una buena iluminación natural. La solicitud del cliente era en cambio de 100 unidades. ¿Dónde se ubicarian las 13 restantes?. Era evidente que crear dos bloques habría llevado a ocupar otro suelo, que restaría zonas verdes, justo la actitud que se quería combatir.

De aquí la idea que ha convertido a Wozoco en uno de los edificios por pisos más originales en el panorama de la arquitectura contemporánea: las trece unidades "excedentes" han sido colgadas literalmente de la fachada norte del cuerpo principal, como grandes cajones en voladizo, evitando de esta forma la ocupación de suelo.

Una en Blanco y Negro - Espacio Público y Privado

En 1748 Giambattista Nolli publica por encargo del Papa Benedicto XIV, el Plano de Roma. Si bien el objetivo principal era determinar con exactitud la delimitación de los 14 distritos que componían la ciudad, a diferencia de cualquier relevamiento anterior, la propuesta del arquitecto italiano cambiará para siempre la historia de la cartografía urbana.

Por primera vez el urbanismo barroco comenzado con el plan de Sixto V se verificaba planimétricamente en toda su dimensión: la del espacio público.

Calles, piazzas, interiores de iglesias, patios recibían un tratamiento uniforme y detallado, como si de un continuum recorrible se tratara. Todo lo demás -muros, masa construída, espacio privado- se fundía en un gris único, y sin especificación alguna.

Una ciudad que cien años antes había comenzado un proceso de transformación con la apertura de sus nuevas vías, que conectaban los hitos urbanos de la Cristiandad y ponía en valor cada unos de sus monumentos, se convertía así en la primera ciudad moderna. Paradójicamente de esa manera, se reencontraba con su pasado más glorioso -el de los días del Forum Romano- a través del mismo recurso: la creación del Espacio Público.

Un Poco de Cine - Costrucción de una Ciudad

Citamos un pasaje del texto de Gordon Cullen (El paisaje urbano) que debatimos en clase y mencionamos este documental que nos muestra como fue la re-ubicación de la ciudad de Nueva Federación, que en 1978 tuvo que ser trasladada para poder realizar la construcción de la represa de Salto Grande y evitar que esta quede bajo el agua. Nos muestra lo complejo que fue para sus habitantes adaptarse y hacer propia su nueva ciudad.

"El conformismo, desde el punto de vista del planificador, resulta muy difícil de eludir; pero el eludirlo deliberadamente creando diversiones artificiales es sin, duda algo mucho peor que lo que se trataba de evitar. Tomemos otro ejemplo: supongamos que se pretende construir un núcleo urbano destinado a ser habitado por unas 5000 personas. En principio todo, los seres humanos y las edificaciones, son tratados en un plano de igualdad, y a cada una de las familias se le destina el mismo tipo de casa. Pero ¿cómo diferenciarlas? Si, por el contrario, partimos de un punto de vista más amplio, nos daremos cuenta de que una casa tropical es muy distinta de las de las zonas templadas, que los edificios construidos en una región en la que abunda la arcilla están hechos con ladrillos y los de otra, en que abundan las canteras, se construyen con sillares, que las diferentes religiones y grados de educación social obligan, asimismo, a distintos tipos de edificación. Y a medida que el campo de observación se va estrechando, también nuestra sensibilidad para los detalles locales se va haciendo más aguda. Hay mucha, demasiada, insensibilidad en la construcción de ciudades, excesiva confianza en el tanque y el carro blindado desprovisto de cañón telescópico." Gordon Cullen. El paisaje urbano

BIG - Scala Tower - Eight House

Scala Tower un proyecto ubicado en una importante zona cultural, comercial y de gran flujo de tránsito de la ciudad de Copenhagen, hace hincapié en el desarrollo del espacio publico y privado, el ajuste hacia su contexto, y un nuevo aporte al skyline particular de la ciudad con relación a sus históricas torres. La resolución y el concepto de este proyecto explicado en este video con la claridad conceptual y gráfica que caracteriza a este estudio danés BIG.

Eight House, un proyecto casi como anécdota, pero para poder ver, analizar y debatir las formas de proyectar y contar una idea. Es interesante ver el ámbito de trabajo y experimentación del estudio, la importancia que tiene la maqueta, y por sobre todo analizar el discurso, otro punto a tener en cuenta a la hora de contar un proyecto.

8H - The 8-House from BIG on Vimeo.

La Escala de las Biografías

La escala de las biografias. Ivan Bercedo

1. Cuenta Norbert Elias que, a lo largo de la historia, se ha producido un cambio paulatino en el equilibrio entre el yo y el nosotros, como consecuencia de un proceso de desplazamiento de la identidad. En las sociedades antiguas, la identidad reside en el colectivo, el grupo, el clan, la tribu. El término individuo referido a los seres humanos no aparece hasta el siglo XVII, cuando empieza a ser necesario referirse a la singularidad del sujeto, no ya por vinculación a un grupo determinado, sino como individuo independiente con unas preocupaciones e intereses particulares. Este desplazamiento de la identidad del nosotros al yo se produce en paralelo a una dilatación de la idea del nosotros, que se ensancha al tiempo que los vínculos interpersonales se vuelven menos intensos, los sentimientos colectivos se debilitan y el universo individual sedimenta como un espacio particular de sentido. El término sociedad cambia de escala y pasa a ser cada vez más abstracto, difuso y complejo. (ver texto completo)